ENTREVISTA A ANTONIO BAREA /// UAV-Unmanned Aerial Vehicle–

junio 15, 2015 at 3:04 pm

Antonio Barea

Centro Cultural de Noáin: UAV -Unmanned Aerial Vehicle- recoge tu particular visión del paisaje motivado por los acontecimientos de la historia en los que el hombre es capaz de superar la escala humana y ver el mundo desde otra dimensión. En el proceso de creación de las obras adquiriste un dron ¿Sentiste la sublimación por la experiencia de la vista aérea?

Antonio Barea: Francamente, no. Sin embargo la búsqueda de ese nuevo sehnsucht ha sido apasionante e intensa. Normalmente no busco conseguir objetivos, sino más bien desarrollar procesos o establecer conexiones entre elementos distantes, a fin de cuentas, intento continuar “deseando desear encontrar”. Que aparezca la figura del drone en el proyecto, tiene que ver con una posible similitud  entre  la mirada ante el paisaje, de los paisajistas románticos del s.XVIII y los actuales operadores de drones. En ambos casos, tanto la lejanía del acontecimiento  como la presencia del observador son notables.  Das eismeer, tela de Caspar David Friedrich, previamente conocido como Escena imaginada en el Mar Ártico: barco naufragado entre masa de hielo a la deriva, quizá sea el punto de inflexión entre el observador romántico y el operador de drone. Ambos contemplan la escena del desastre (Naufragio y territorios arrasados), experimentan el paisaje y por supuesto enmarcan la escena, ya sea en el lienzo o en la pantalla.

C.C.N: Si pudieras volver a nacer ¿quién de estas personalidades querrías ser: Le Corbusier, Felix Baumgartner, Gaspard-Félix Tournachon (Nadar), Philippe Petit o David Friedrich? ¿Y por qué?

A.B: En cierto modo, no me gustaría volver a nacer, pues eso implicaría desproveer a la vida de su aliciente más preciado, esa unicidad que nos lleva a afrontarla intensamente. Sin embargo si estaría dispuesto a beberme un coupage  que incluyese la sensibilidad de Friedrich, la perspicacia de Le Corbusier, la intuición de Nadar, el equilibrio de Petit y la valentía de Baumgartner.

C.C.N: La exposición se compone de varias esculturas, fotografías, objetos, dibujos, grabados, vídeos, lo que demuestra que eres un artista versátil y multidisciplinar. ¿Valoras el carácter manual o artesanal de una obra de arte o esto es algo secundario para ti?

A.B: Valoro todo atisbo de creatividad, sea manual, mecánico, informático…etc,

UAV -UNMANNED AERIAL VEHICLE- //// Antonio Barea

junio 1, 2015 at 2:38 pm

Del 5 al 25 de Diciembre en el Centro Cultural de Noáin.

Existe en el trabajo de Antonio Barea (1985), un componente romántico que le lleva a cuestionar la experimentación del paisaje, para más tarde evidenciar la irrefutable relación de causalidad existente entre los territorios y las dinámicas de acción de quienes los habitan. Como leitmotive de sus proyectos actúan los sistemas de representación cartográfica, los posicionamientos del hombre frente al territorio y una variable de enorme relevancia, la vista aérea. Aviones, vuelos, infraestructuras aeronáuticas, miniaturas, escalas o sistemas de geolocalización son algunos de los términos que sustentan el discurso planteado en sus trabajos plásticos. Disertaciones que pretenden diseccionar, desde el cielo, las sinergias acontecidas en la tierra.

Licenciado en Bellas Artes y Máster de investigación en Territorio y Paisaje en la Universidad Miguel Hernández. Estudia un año en la Accademia di Belle Arti di Brera, en Milán, gracias una beca Erasmus. Así mismo, en la actualidad se encuentra realizando su tesis doctoral Comunicación y creación colectiva en la era 2.0 .Análisis de proyectos colaborativos de visualización de datos. A su formación académica se añaden varias becas de producción, de entre las cuales destacan la Beca de producción de la Fundación BilbaoArte Fundazioa y la Beca de Promoción de las Artes Plásticas del Gobierno de La Rioja.

El leitmotiv de UAV-Unmanned Aerial Vehicle está ubicado en la impersonalidad de la experiencia del territorio y el paisaje, un paisaje modulado a través de un sistema de códigos binarios que generan imágenes en pantallas, que a su vez arquitraban el paisaje contemporáneo. La imagen que ven los operadores de los Drones a través de sus pantallas binarias, es un espectáculo que sin duda no es el paisaje que veía Friedrich hasta encontrar el Sensucht.

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ENTREVISTA A KARLA TOBAR Y CRISTIAN VILLAVICENCIO /// MOVING PANORAMA

abril 17, 2015 at 3:59 pm

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Centro Cultural de Noáin: Visitar vuestra exposición es como sumergirse en un mundo en el que la naturaleza se fusiona con la tecnología para ser una sola cosa. La sensación del visitante es extraña, envolvente, inquietante. Esa nueva Naturaleza que nos presentáis ¿QUÉ ES?

 Karla y Cristian: Tal vez es una postura en general ante la naturaleza de las cosas, es decir, tratando las cualidades de ambos  “Paisaje” – “dispositivo artístico” desde posiciones o combinaciones aparentemente contradictorias. Nos interesa mucho el contexto del que parte y en el que se presenta nuestro trabajo. En “Moving Panorama” esto sería el paisaje de Noáin y los dispositivos que usamos serían nuestra manera de incidir y representar ese contexto.

C.C.N: Detrás de vuestro trabajo hay una enorme masa de conceptos (localización, deconstrucción, sitio específico, estética del error…) ¿creéis que el espectador debe tener conocimiento de ellos para poder entender vuestra obra?

Cristian: No creemos que es necesario conocer esos conceptos para apreciar nuestro trabajo. Partimos de la idea de que cada espectador conecta con las obras desde diversas subjetividades. Hay gente que mira las imágenes y no se interesa por los dispositivos que usamos o viceversa.

Karla: Es importante recalcar que aunque a primera vista parece una exposición compleja creemos que el espectador puede entender o intuir nuestra base conceptual a partir de imágenes que están  construidas a partir de elementos y lugares cotidianos que se recorren a diario.

C.C.N: Las obras centrales de la exposición tienen que ver con el paisaje de Noáin, con el acueducto y con Sebastián Marco, el alcalde. ¿Cual fue vuestra experiencia al realizar esta obra?

MOVING PANORAMA //// Del 1 al 22 de abril en el Centro Cultural de Noáin

abril 14, 2015 at 2:57 pm

Moving Panorama es el proyecto artístico multidisciplinar en el que Cristian Villavicencio y Karla Tobar reflexionan sobre el espacio físico y simbólico del Ayuntamiento de Noáin a partir de la hibridación y combinación de medios y lenguajes. A través de esta propuesta los artistas quieren desarrollar el concepto de “Paisaje” desde distintos lenguajes artísticos como el audiovisual, los dispositivos tecnológicos y la fotografía, para redefinir el espacio que les rodea. Ahondan en el concepto de “localización” (como el lugar físico en el que se ejecuta y representa una pieza artística o escena cinematográfica) y lo llevan al terreno del “paisaje expandido”.

http://www.interface.ufg.ac.at/blog/cristian-villavicencio-recent-works/ http://www.cristianvillavicencio.net/ www.copyordiscard.com

¡Ultimas noticias!:

Cristian Villavicencio ha sido premiado en ERTIBIL BIZKAIA 2015: http://www.bizkaia.net/home2/archivos/DPTO4/Temas/ertibil-2015.pdf?idioma=CA

Karla Tobar ha sido becada por el museo Guggenheim para viajar a Nueva York durante un mes. http://guggenheim-bilbao.es/empleo-y-practicas/basque-artist-program/     http://www.deia.com/2015/08/08/ocio-y-cultura/cultura/alain-urrutia-y-carla-tobar-logran-la-beca-del-guggenheim

 

MOVING PANORAMA /// Karla Tobar y Cristian Villavicencio

marzo 25, 2015 at 4:06 pm

El Miércoles 1 de abril se inaugurará la primera exposición dentro del programa EMERGENCIAS 2015: MOVING PANORAMA de Karla Tobar y Cristian Villavicencio. A las 19:00 horas harán una presentación pública de su trabajo en la Sala de Exposiciones. ¡Estáis todos invitados!

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PROYECTOS SELECCIONADOS/// EMERGENCIAS 2015

febrero 12, 2015 at 4:05 pm

Se han presentado a esta tercera edición, EMERGENCIAS 2015, 81 proyectos, de los cuales 14 procedían de Navarra, 12 del Pais Vasco, 39 de otras comunidades autónomas y 16 del extranjero (Argentina, Ecuador, Méjico…).

El jurado, formado por Juan Zapater (Director de Bilbaoarte), Blanca Oria (Directora de Artyco), María Ozcoidi (Cofundadora de Pensart), Nieves Beloqui (Técnica de cultura del Centro Cultural de Noáin) y Raquel Samitier (Artista y miembro del equipo del Centro Cultural de Noáin), se reunió el sábado 7 de febrero. Destacó la gran calidad artística de la mayoría de los proyectos y valoró positivamente el enorme interés que ha suscitado la convocatoria fuera de Navarra e, incluso, de España.

Los cuatro proyectos seleccionados son:

(Abril) “MOVING PANORAMA” de KARLA TOBAR Y CRISTIAN VILLAVICENCIO  www.copyordiscard.com

(Junio) “UAV: UNMANNED AERIAL VEHICLE” de ANTONIO BAREA  www.antoniobarea.net

Octubre) “PUESTA EN ESCENA DE COLECCIÓN I” de NEREA DE DIEGO  www.nereadediego.com

(Noviembre) “FISHSHOT” de JAVIER CORSO Y LUCÍA PÉREZ DO SOUTO   www.javiercorso.com

2015 EscenariosHíbridos fishshot_02 IMG_8675 puesta en escena de colección I

BASES EMERGENCIAS 2015

diciembre 9, 2014 at 4:30 pm

Se abre el plazo para presentarse a la convocatoria EMERGENCIAS 2015

VER BASES

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ENTREVISTA A VÍCTOR SOLANAS-DÍAZ /// ON THE TIME AND THE INSTRUMENTAL FACTOR

diciembre 2, 2014 at 5:21 pm

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Centro Cultural: Estudiaste Bellas artes y te especializaste en pintura. ¿Cómo fue ese momento en el que decidiste no coger nunca más un pincel? ¿Cómo te enamoraste de la cinta adhesiva, fue flechazo o se produjo con el tiempo?
Víctor Solanas Díaz: En realidad cojo los pinceles a menudo pero este proyecto con cinta adhesiva no requiere de otros materiales. Suelo pintar o dibujar según las necesidades de la obra que quiero hacer. Al final, el medio es solo un elemento, condicionante y que debe ser controlado, pero solo un elemento en el proceso de creación. Lo esencial es aquello que quieres hacer, representar o decir. En este caso la cinta adhesiva es la protagonista.

C.C: Usas cinta adhesiva de advertencia, de franjas amarillas y negras. ¿Cuál es la advertencia que nos das antes de ver tus obras?
V.S.D: Primero dar un vistazo general al montaje y después entrar a valorar el aspecto estructural de las obras, tanto de las intervenciones como de las piezas individuales. Se trata de acercarse a un tipo de obra que inicialmente parece sencilla por su inmediatez e impacto para el espectador pero que está elaborada siguiendo procesos estructurales muy detallados y precisos.

C.C: Las estructuras binarias que utilizas tienen relación con las composiciones musicales ¿Qué música se oye al ver tus murales?

VICTOR SOLANAS DÍAZ /// ON THE TIME AND THE INSTRUMENTAL FACTOR

noviembre 25, 2014 at 4:28 pm

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Victor Solanas Díaz transformará el espacio arquitectónico del Centro Cultural de Noáin mediante formas, patrones y estructuras creadas con un único elemento: Warning tape, cinta señalizadora adhesiva de diagonales amarillas y negras. Estas estructuras tienen su base en la organización del material sonoro de algunas composiciones musicales pero la clave radica en articular el material adhesivo mediante procesos de modulación/transformación que permiten modificar el espacio bidimensional del muro, pared, suelo o techo creando un espacio tridimensional “plastificado” que distorsiona la percepción del espacio físico que tiene el espectador.

Las franjas diagonales amarillas y negras son los elementos básicos de la obra: generan la forma, el color y la textura y son tomados como píxels que se combinan mediante un sistema binario sencillo que se torna complejo desde el momento en que se aplican direccionamientos vectoriales y distintas fórmulas matemáticas para crear efectos de movimiento o distorsión. Este efecto pixelado, ejemplo de precisión y rigor, origina formas cercanas al Op-Art derivadas de la psicología de la percepción, que obligan al espectador a establecer continuamente relación visual con las obras desde diferentes perspectivas para su correcta apreciación.

El Viernes, 28 de noviembre, de 8 a 10 de la noche, el artista realizará una intervención en directo en  la sala de Exposiciones.

ENTREVISTA A PEIO IZCUE BASAIL ///// BASO HIL

noviembre 17, 2014 at 3:34 pm

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Centro Cultural: Baso Hil o Bosque muerto es el título de esta exposición. La idea del paso del tiempo y de la muerte está muy presente en todas las obras ¿Cómo de presente está en tu vida?

Peio Izcue: Creo que el arte se debe ocupar de las cosas que verdaderamente importan, y creo que a la mayoría de la gente estas cosas le importan mucho. En lo personal son temas evidentemente importantes,  y en lo colectivo creo que es importante hablar de ellos, ya que la sociedad actual (el capitalismo mejor dicho), nos hace vivir de espaldas a ello. Ignora totalmente la muerte, la ha desalojado de la vida publica, y parece que tuviésemos que vivir en un anuncio constante, jóvenes, sanos y guapos. Y claro, como la  vida no es así, eso genera mucho sufrimiento…

C.C: Para los que no han visitado la exposición todavía…¿qué significan estas palabras: MOLGER, EISTELLUNG, BASO HIL?

P.I: MOLGER: es un tipo de espejo de la marca Ikea. Es un pequeño chiste, una alusión a la metáfora del espejo.

EISTELLUNG: es una tendencia del cerebro a aferrarse a las mismas soluciones conocidas en lugar de buscar otras diferentes. Quizá suene un poco pedante el término, pido perdón.

BASO HIL: quiere decir “bosque muerto” en euskera. Es una alusión al origen, no se cierto o no, de mi apellido materno “Basail”. Es también una alusión a la naturaleza del medio fotográfico, que dice que solo es capaz de fotografiar futuros cadáveres, naturaleza muerta en definitiva.

C.C: Dices que para la fotografía sólo es posible el género de la naturaleza muerta y que una fotografía es como un cadáver. ¿Qué haces si alguien te quiere sacar una foto? ¿Te resistes?

P.I: Bueno, creo que es bueno conservar fotografías a modo de recuerdo. El que yo vaya a ser un cadáver en unos años es independiente de que me saquen fotografías o no…

 C.C: Con Baso Hil usaste imágenes de los archivos del lugar donde trabajas, dejaste de hacer tus propias fotografías ¿Por qué?

P.I: El uso de las imágenes que nos rodean como materia prima para trabajar, creo que es ya inevitable. No importa demasiado quién haya sacado la foto, importa el discurso y las posibles lecturas, creo yo.

También fue una época en la que estaba leyendo a Fontcuberta (un buen resumen es su manifiesto postfotografico), que abogaba por una ecología de la imagen. Viéndolo con perspectiva, creo que es irrelevante si alguien añade más fotos al mundo o no. Hay tantas que el efecto es despreciable. Lo importante creo yo que es ir a la contra, al menos en el discurso, de esa vorágine incesante de consumo.

 C.C: En tu obra hay múltiples referencias a lo religioso ¿Es una crítica?

P.I: Creo que lo religioso tiene su parte “moral” y controladora que es despreciable, pero mi opinión es que lo religioso, en el sentido de juntarse en comunidad para hacer rituales, para compartir miedos, para celebrar, creo que es algo que se debería mantener y recuperar, porque el capitalismo se lo está cargando.

C.C: Te interesan las huellas, el rastro que dejamos en nuestra vida cotidiana. Esta exposición también dejará huella cuando termine (algún clavo en la pared, los carteles y tarjetas, el número de visitantes registrado en una hoja de asistencia…) ¿Cómo quieres que la recordemos?

P.I: El primer día de la exposición hice una visita guiada con unas mujeres que dan clase de pintura en el Centro. Cuando les expliqué que esta fotografía la había hecho al limpiar la vitrocerámica, me dijo que no tenía ni idea de limpiar, que echaba demasiado “producto”.

Me gustaría que me recordaseis, así, como alguien majo, pero que no tenía ni puta idea de limpiar.