EMERGENCIAS 2018 /// CENTRO CULTURAL DE NOAIN

El artista Eriz Moreno expondrá estos días en Noáin, Sloboda narodu! tiene como objetivo realizar una lectura artística del concepto “Europa” a partir de la experiencia directa como autor con la antigua Yugoslavia, cuyos países representan y ejemplifican, a pequeña escala, la historia antigua y moderna del resto del continente, ya que en su territorio se condensan gran parte de los conflictos que han dado forma al mapa contemporáneo de Europa: Primera Guerra Mundial , Segunda Guerra Mundial, Guerra Fría, las Guerras Yugoslavas, llegando a la presente adhesión o candidatura de todos los estados exyugoslavos a la Unión Europea y/o a la OTAN.

La exposición permanecerá abierta desde el 2 hasta el 23 de noviembre en horario de 16:00 a 21:00 horas en el Centro Cultural de Noáin.

Eriz Moreno: Estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna de Tenerife.

Obtuvo una beca de residencia en Fundación BilbaoArte. Una beca de Creación Eremuak del Gobierno Vasco. Una subvención para el Fomento y Desarrollo de las Artes Plásticas y Visuales del Gobierno Vasco y una beca STEP Beyond para artistas emergentes de la Unión Europea.

Ha hecho varias exposiciones, entre ellas:

“The Clash / Spopad / Choque / Střet” en la Galería Alkatraz de Ljubljana, Eslovenia.

“…at least a provisional way to settle in one place” en el Centro Cultural Montehermoso, Vitoria.

“Meeting Point”en Kunstverein Konstanz y Kunstraum Kreuzlingen, Alemania y Suiza.

“Ararat” en el Museo de Arte Contemporáneo de Ereván, Armenia.

“Horizonte” en el Museo Guggenheim, Bilbao.

Sloboda narodu!: “En el título del proyecto se hace referencia a la frase partisana “Smrt fašizmu —Sloboda narodu!” (del serbocroata: Muerte al fascismo — Libertad al pueblo!) como referencia a la serie de conflictos históricos vividos en los Balcanes. Omitiendo a la referencia del fascismo, por ser delimitado a la Segunda Guerra Mundial, con el título se quiere describir cómo, en la contemporaneidad, se nos “vende” cualquier acción bélica desde el punto de vista de la libertad para el pueblo (Libia 2011, Irak 2003, Panamá 1989, etc), y se plantea la duda: ¿Somos libres dentro de la Unión Europea?

Al proponer la realización de un proyecto que tiene como título la palabra “libertad” surge la necesidad de cubrir un amplio espectro de puntos de vista, por lo que la interdisciplinariedad es un objetivo principal. Hay que conseguir sumar la mayor cantidad de formas de percepción diferentes para llegar a un panorama de perspectivas diversas sobre lo que ha sido y es Yugoslavia hoy en día. La complejidad de la región combina aspectos históricos, arquitectónicos, religiosos, políticos, culturales, etc…, por lo que un acercamiento, en este caso artístico, a esta realidad sólo se puede lograr estableciendo una visión lo más amplia posible. Uno de los principales medios de aproximación a la región ha sido la Autopista “Hermandad y Unidad”, la cual ofrece un vínculo que permite conectar y establecer una relación conceptual entre realidades muy diferentes y dispersas en el territorio; un vínculo que, al ser registrado de un modo formal ofrece la herramienta de acotación principal sobre la que encontrar y analizar otros elementos de análisis para el proyecto. Incluso el mismo nombre de la autopista (dado por Tito en el año 1950) aporta un sentido melodramático y metafórico, ya que significa no sólo la unión de todos los países de Yugoslavia, leitmotiv del Partido Socialista Yugoslavo, sino también una forma real y simbólica de una unidad con occidente. Por lo que la forma expositiva sería a partir de la experiencia in-situ: planteando una mirada, personal. Esta mirada es irrevocablemente contemporánea, pero se completaría con materiales de archivo relacionados con la Yugoslavia histórica, una Yugoslavia que aunque no exista sigue estando presente en el imaginario colectivo de la región”.

EL artista Martín López Lam expone estos días en Noáin, JPEG2000 reúne dibujos y serigrafías realizadas entre 2016 y 2017. En ellas conviven una serie de imágenes provenientes de diferentes tradiciones gráficas, que se mezclan y resuenan como los elementos de un alfabeto construido con pedazos de idiomas pasados. JPEG2000 es un diario, un codex moderno que permite explorar tensiones, ideologías y cotidianidades diversas a través del dibujo y su potencial comunicador.

La exposición permanecerá abierta desde el 4 hasta el 24 de octubre en horario de 16:00 a 21:00 horas en el Centro Cultural de Noáin.

Martín López: Estudio en la Facultad de Bellas Artes de la Pontifici, Universidad Católica del Perú y en la Faculdad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, España.

Ha hecho varias exposiciones individuales:

“NUEVOS DIBUJOS”  en el Centro Cultural de España de Lima, Perú. “MAUVIS OEIL #31” en el Friche La Belle de Mai de Marsella, Francia.

“PARCO FALAFEL” en el Museo Internazionale e Biblioteca della Musica de Bologna,

Italia.

“OBRA GRÁFICA” en el Museo del Barrio de  Manizales, Colombia.

“POR SI ALGUNA VEZ LO OLVIDO, RECUERDA NO MORIR NUNCA” en la Galería Rosa

Santos de Valencia, España.

Premiado con el  Injuve de Cómic e Ilustración. Categoría de Cómic. Instituto de la Juventud de España.

Ha recibido varias becas por su obra, Beca Residencia Maison des Auteurs. Angouleme, Francia. Beca Residencia Real Academia de España en Roma. Italia. Matrijaršija. Residencia gráfica. Zemun, Serbia y beca de Circulación Internacional Manizales Entreviñetas. Manizales, Colombia.

JPG2000: “Se inició en el año 2016 como continuación del proyecto EL TITULO NO CORRESPONDE, serie de dibujos que exploraban los suburbios romanos y ciertas zonas donde la comunión de diferentes grupos migrantes había reconfigurado el barrio. Este trabajo me abrió las puertas para explorar el dibujo. Desde su lado más narrativo, referenciando el cómic en primer lugar, creando relatos abiertos entre los dibujos, a manera de gran coro anárquico, donde todas las vocas sonaban a la vez y se iban superponiendo constantemente en el papel. Esta idea de mixtura cultural, me ha llevado a trabajar con la combinación de diferentes tradiciones gráficas (populares, religiosas, de entretenimiento, educativas, etc), como una manera de hacer dialogar las diversas influencias y puntos de vista que se oyen y pueden (o no) tener resonancia en un periodo donde el consumo de información, gracias a internet y al bigdata, llega a desbordarnos”.

La muestra está conformada por 4 partes:

JPEG2000, dibujos de 50cm x 70cm, realizados a partir de fragmentos de cómic de aventura y mangas.

NUEVA AVENTURA, dibujos en formato 40cm x 30cm, realizados a partir de portadas de cómic de aventura donde los personajes han sido eliminados dejando exclusivamente el paisaje.

GBR, serigrafías realizadas a partir de iconografía precolombina y cerámica hispánica.

S/T, dibujos en blanco y negro realizados a partir de páginas de cómics infantiles donde todos los elementos han sido reemplazados por masas de color, abstrayendo las formas de cualquier narrativa posible.

CENTRO CULTURAL DE NOÁIN: “Sprechgesang” es la exposición que presentas en el Centro Cultural de Noáin que se compone de piezas negras, de suelo y pared acompañadas por piezas de vídeo y sonido. Las piezas de vídeo forman parte del proceso de laboratorio de transformar la poesía y el audio es un conjunto de poemas recitados con autotune. ¿Cómo surge este proyecto?

María Benito: Venía de un proyecto en el que escribí mucho y por inercia seguí escribiendo durante una temporada, y poco a poco empecé a investigar pero sin la sensación de estar trabajando. Siempre había gastado horas y horas viendo videos de freestyle, de recitales de poesía, de monólogos, entrevistas de artistas y cómicos que me gustaban. Y simplemente se fue creando un terreno en el que trabajar. Y como había pasado tanto tiempo escribiendo, me empezaron a dar ganas de volver a la escultura y poco a poco cada cosa empezó a tener su espacio. Escribía mientras escuchaba Camarón, al mismo tiempo que hacía escultura mientras escuchaba el nuevo disco de Kase O y por las noches me veía todos los programas de Ilustres ignorantes. Al final, sin darme cuenta junté todo lo que me gustaba y me lo empecé a pasar bien.

CCN: ¿Qué relación existe entre las diversas piezas?

María: Bueno, está claro que a simple vista el color negro las reúne a todas de forma rápida, por eso las llamo <mis piezas negras>. Pero aparte de eso, detrás de todas las piezas siempre hay un verso, un comentario, un twitt, una conversación… Los vídeos y el audio ayudan a entender que todas las piezas tienen que ver con la poesía.

CCN: ¿Cómo creas las piezas de suelo a partir de un texto poético?

María: Cuando trabajo con mis propios textos los oralizo y juego a partir de ahí. Trabajo con los ritmos, las pausas, los tonos, y eso enseguida se vuelven alturas, formas, texturas… Si me da por recitar un texto a gritos la pieza se vuelve grande, tosca, valiente. Si me da por susurrar, va a ser una pieza más íntima, pequeña, sensible, cobarde… No tengo una fórmula tampoco, a veces es más cómo me siento al recitarlos, o al escribirlos.

Cuando trabajo con textos de otros respeto sus ritmos y trabajo desde ahí. Por ejemplo, es tan importante la forma de escribir de Oscar García Sierra como su forma de recitar.

CCN: ¿En qué momento y por qué tomo más importancia la escritura en tu obra?

María: He escrito desde siempre y muchas veces he metido texto en mis piezas, a veces torpemente, pero a partir del trabajo de fin de máster que se titulaba “Conversaciones con varias máquinas de escribir” que era un librito con un recopilatorio de textos, me di cuenta de que no podía trabajar sin escribir. Y poco a poco encontré un equilibrio. El texto no podía suplir las carencias de una escultura ni al contrario, la escultura las carencias del texto.

Pero sobre todo empecé a trabajar más con la escritura porque cuando tenía un día tonto y no me apetecía salir de la cama, podía escribir tumbada y sentir que seguía trabajando.

CCN: El título de tu obra es un término musical que se emplea para referirse a una técnica vocal que se encuentra entre cantar y hablar. ¿Qué confluencias y límites encuentras entre escribir, hablar, cantar, recitar…?

María: Me interesa la musicalidad de la palabra, una canción cantada a capela, un rapero que tira sus líneas sin base o escuchar a alguien hablar con acento o cómo hablamos en una discusión calentita o en un susurro o cómo hablamos mientras lloramos. Me gusta cuando se juntan dos cosas y pasa algo. Me gusta cuando yo escribo algo y le pongo un tono en mi cabeza y otro lo lee y le pone otro tono. Me interesa encontrar una nueva manera de recitar que no sea la que hemos escuchado todos, con las mismas pausas, los mismos silencios, el mismo tono romántico. Busco los límites de las cosas para encontrar algo por la mitad que sea nuevo e interesante. Pero las palabras que me gustan están bien en cualquier límite.

CCN: Entre las diferentes técnicas y herramientas, que usas en tu obra ¿Cuál es la que más te interesa?

 María: No sabría decantarme, cada disciplina me ayuda a despegarme de otra disciplina. Es un alivio escribir cuando empiezo a cogerle asco a la escultura, o usar el audio sabiendo que es una herramienta que todavía no manejo o que es nueva para mí. O el video que puedo usar para trabajar algún concepto de forma rápida. Así no me bloqueo tanto.

CCN: ¿Cuáles son tus próximos proyectos y metas en tu carrera artística?

 María: No se si tengo de eso. Quiero seguir sacándole partido a mi cabeza, hacer cosas y exponer de vez en cuando para que la gente vea que hago cosas. Quiero poder permitirme un local para trabajar y tener tiempo para trabajar… Sí que es verdad que me encantaría probarme recitando en diferentes espacios, por eso agradezco muchísimo poder recitar el día 26 en vuestra biblioteca porque podré alimentar esa parte de rapera que hay en mí, aunque me vaya a morir de la vergüenza. Me gustaría ir por ahí recitando.

La artista María Benito Píriz expone estos días en Noáin, la exposición se compone de piezas negras, de suelo y pared. Con materiales propiamente negros (láminas de aislamiento acústico viscoelásticas, tuberías, caucho) o materiales cubiertos de pintura negra (madera, corcho, aglomerado), acompañadas también por piezas de vídeo y sonido. Las piezas de vídeo forman parte del proceso de laboratorio de transformar la poesía y el audio es un conjunto de poemas recitados con autotune.

La exposición permanecerá abierta desde el 6 hasta el 26 de abril en horario de 16:00 a 21:00 horas en el Centro Cultural de Noáin.

El jueves 26 de abril a las 18:30 tendrá lugar una visita guiada a la exposición seguida de un recital en la Biblioteca Pública de Noáin en la que la artista nos acercará y explicará su propuesta expositiva y sus líneas de trabajo.

María Benito: Graduada en Arte en la UPV/EHU de Leioa, hizo un máster de Investigación y Creación en Arte, en la UPV/EHU de Leioa y un taller de cine: “La Dirección Desobediente” impartido por Profesor Andrés Rafael Zabala Rufa (Universidad de Roma) en la UPV/EHU de Leioa.

Ha sido becada por la Fundación BilbaoArte.

Ha recibido el tercer premio en XXXIII Muestra de Arte Joven en La Rioja con la obra “Transformación de poesía” y  seleccionada para varios proyectos, entre ellos: Eginberri en el Museo Guggenheim de Bilbao con la obra “ Escenarios ”, en la 31 Edición de la Muestra Itinerante de Artes Plásticas Ertibil Bizkaia, con la obra “La palabra hablada”, en el Certamen de Pintura de Primavera X Premio Eduardo Ruiz-Golluri, Cadiz y en el Second International Student Biennal Drawing Sofía, Bulgaria con la obra “Traqueotomía”.

Sprechgsang: “El éxito y el fracaso, el exitoso y el fracasado. Cuanto más alto estés, mayor será la caída. La exposición se compone de estructuras de suelo creadas a partir de un texto poético oralizado. La modificación del suelo para ser utilizado como espacio de recital creando una superficie a una altura superior a la del caminar, a la de estar. Se analizan las diferentes alturas de una superficie para convertirse en escenario, en peana, en pódium. Teniendo la altura como el ego, cada texto necesita de una distancia del suelo acorde con el estado emocional del texto. El ego como unidad de medida. Sprechgesang es un término musical que se emplea para referirse a una técnica vocal que se encuentra entre cantar y hablar. Se analizan los límites entre el momento de hablar y de escribir. Se busca la musicalidad de la palabra y las nuevas formas para la poesía. Se necesita una forma física para la palabra. El llanto como elemento plástico. La interpretación memorizada de una canción, de un texto poético. La oralidad memorizada, el llanto forzado. El quejío fingido. La palabra teatralizada. Los distintos niveles de altura, de recorrido, de reflexión, de respeto que pretende el texto poético recitado: la entonación, el ritmo, la métrica, la estructura y la duración son los valores a tener en cuenta”.

CENTRO CULTURAL DE NOÁIN: “Teoría de las catástrofes” es la exposición que presentas en el Centro Cultural de Noáin que se compone de un texto del filósofo Adorno escrito con spray sobre cartulinas en la pared de la sala, un dibujo a lápiz de un recién nacido y una escultura de piezas de piedra “Maslow exercises”. ¿Qué relación “catastrófica” existe entre las diversas piezas?

Fermín: La pieza principal de la exposición es De adorno que es la cita extraída de su Teoría estética, se puede decir que post-procesada para proyectarla con spray sobre la pared de la sala. Inicialmente la pintada se realizaría sobre la propia pared, pero en el replanteo de la exposición se me ocurre dar un giro adicional a las múltiples lecturas (todas válidas) que podemos dar a la pieza y decido ejecutar la pintada sobre cartulinas de manera que al acabar la exposición poder retirarlas y encuadernar las 270 cartulinas en un libro. Este libro es ininteligible a excepción de algunas palabras que el propio azar hizo que cayesen en una hoja completas, principalmente “arte, social, etc”. Palabras que se repiten en el texto y que me hacen pensar a menudo en el texto como dato, considerando estos como herramientas ideológicas de adoctrinamiento.

Las otras dos piezas que completan la exposición son trabajos anteriores que considero pertinentes para apuntalar la pieza principal y son: un dibujo a lápiz que forma parte de la serie The infinite monkey theorem y una escultura en forma de pirámide titulada Maslow exercises.

El punto de partida que aglutina los tres trabajos de la exposición es la tesis de que las pequeñas alteraciones en sistemas complejos tienen la suficiente relevancia como para ser tomados en consideración. Es decir, la posibilidad de invertir la pirámide de necesidades humanas de Maslow por ejemplo, platea el supuesto de no aceptación del orden establecido en esta representación generalista de las motivaciones humanas. También el extraer un texto de un tratado filosófico (que trata de postular una cosa en unos casos y todo lo contrario en otros) sobre las posibilidades del arte; desmontarlo y volverlo a construir en un libro nos sirve para replantear las posibilidades de transformación de sistemas complejos a través de los pequeños cambios.

Todo esto nos lleva a las escasas (al menos por el momento) posibilidades que el arte contemporáneo tiene de transformar la realidad a través de grandes cambios, activados por los artistas y/o sus obras en contraposición a unos modos de hacer más relacionados con los pequeños cambios, que quizá si estén produciendo ciertas afecciones en la realidad.

CCN: El texto seleccionado de Adorno forma parte de su obra póstuma “Teoría estética”. Al reproducirlo en la pared has convertido en obra de arte un texto que habla de arte, con una estética de grafiti asociada al vandalismo. ¿Te interesa que el espectador profundice en la filosofía de Adorno y logre comprender la pieza y el porqué de la técnica o todo esto no es necesario?

Fermín: Efectivamente en mi trabajo siempre pretendo que esté presente un aspecto didáctico que lo haga próximo de alguna manera al espectador, por eso emplear la técnica del grafiti con aspecto de pintada política, como el que podemos ver en cualquier pared de nuestros pueblos y ciudades. Al utilizar un texto filosófico sobre arte pretendo que lleve al espectador (mediante esta figura de la pintada política) a un orden subversivo que cabría esperar del arte contemporáneo.

CCN: ¿Cómo afecta tu profesión a tu obra artística? ¿Se cuela el diseño industrial en lo artístico?

Fermín: Totalmente y también diría que los modos de hacer en el arte también se cuelan en mi trabajo industrial.

CCN: ¿Cuáles son tus próximos proyectos y metas en tu carrera artística?  

Fermín: Actualmente estoy terminando una publicación sobre mi trabajo artístico de los últimos años, titulada 100 Después de Duchamp y que está monopolizando los últimos meses de trabajo por lo complejo de revisar ya 17 años de producción artística.

La convocatoria Emergencias 2018 finalizó el 30 de Noviembre, a ella se presentaron 87 artistas emergentes de los cuales 20 procedían de Navarra, 16 del Pais Vasco, 45 de otras comunidades autónomas y 6 del extranjero (Argentina, Méjico, El Salvador…).

El jurado ha estado formado por Juan Zapater, Director de BilbaoArte, Blanca Oria, gestora cultural y periodista, María Ozcoidi, gestora cultural (Cofundadora de Pensart, curadora de Panoramica Quito, responsable de programas educativos MetQUITO) Nieves Beloqui, gestora cultural del Centro Cultural de Noáin y Raquel Samitier, artista y miembro del equipo del Centro Cultural de Noáin.

El pasado viernes 15 de diciembre el jurado seleccionó cuatro propuestas entre las 87 participantes y son las siguientes:

Del 6 al 26 de abril: ” SPRECHGESANG” de MARÍA BENITO  https://mbenitopiriz.tumblr.com/

Del 3 al 24 de octubre: “JPG200” de MARTÍN LÓPEZ LAM  http:cargocolective.com

Del 2 al 23 de noviembre: “SLOBODA NARODU!” de ERIZ MORENO http://erizmoreno.info

Del 30 de noviembre al 26 de diciembre: “FRUSTUM” de XABIER BARRIOS  http://xabierbarrios.blogspot.com.es/

El espacio de arte contemporáneo arterritory.net publica la obra del artista Fermín Díez de Ulzurrun “Teoría de las Catástrofes” que se expuso en el Centro Cultural de Noáin del 6 al 29 de noviembre. Puedes pinchar en el siguiente enlace para verlo:

http://www.arterritory.net/noticias-en-arterritory-nov2

Si quieres escuchar el audio de la charla-debate de Fermín Díez de Ulzurrun y Peio Izcuie que tuvo lugar el viernes 10 de noviembre en la inauguración de la exposición puedes pinchar en el siguiente enlace:

http://www.ivoox.com/audio-charla-fermin-diez-ulzurrun-audios-mp3_rf_22042368_1.html?autoplay=true

El artista Fermín Díez de Ulzurrun expone estos días en Noáin, la pieza se hará directamente sobre unas cartulinas en la pared de la sala, siendo la propia sala la obra del artista, en esta, se explora el modelo de archivo de datos, así como la posibilidad de este de generar significantes condicionales que pueden ser utilizados para modificar el pensamiento, la opinión y las ideas contemporáneas aceptando como válidas, conclusiones generadas por medio de la utilización de “metadatos”. 

La exposición puede verse desde el 6 hasta el 27  de noviembre en la sala de exposiciones del Centro Cultural de Noáin, bajo el título TEORÍA DE LAS CATÁSTROFES.

El 10 de noviembre a las 19:00 horas  tendrá lugar la INAUGURACIÓN de la exposición con una charla-debate, en la que contaremos con la presencia de Fermín DÍez de Ulzurrun y Peio Izcue Basail, artista y comisario, que nos acercarán y debatirán sobre el tema de su propuesta expositiva y sus líneas de trabajo.

Fermín Díez de Ulzurrun: Formado como Diseñador industrial, postgrado en dirección de plantas industriales por la Universidad politécnica de Cataluña. Conjuga su labor profesional como director industrial con su carrera como artista plástico.

En activo como artista plástico desde el año 2000, año en el que realiza su primera exposición individual en la Ciudadela de Pamplona. Ese mismo año es becado por La institución príncipe de Viana para producir su proyecto “Grozni 2000”.

Ha sido becado por el Gobierno de Navarra y el CIEC realizando diversas exposiciones entre las que cabe destacar: -Reunión!- en Windsor Kulturgintza, -ARBEIT MACHT FREI- en el Centro Huarte de Arte Contemporáneo o -KILL YR. IDOLS- y -33430467-J- en la Ciudadela de Pamplona. Además, ha participado en colectivas como -Presupuesto 6€: Prácticas artísticas y precariedad- en OFF LIMITS, comisariada por Cabello-Carceller y en el proyecto Generaciones de Cajamadrid.

Entre los proyectos colectivos en los que ha participado se encuentra EL TEOREMA DE MASLOW o DINERO NEGRO, proyectos financiados por el ayuntamiento de Pamplona y por ARTIUM a través del programa Eremuak.

Actualmente se encuentra trabajando en el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte como residente en la producción de su proyecto HISTERESIS que ha sido becado por el gobierno de Navarra para la producción de un proyecto de un año de duración.

Recientemente ha sido becado por el Centro Huarte de Arte Contemporáneo para la producción de una publicación retrospectiva de su trabajo.

Teoría de las catástrofes: “Básicamente, la teoría de las catástrofes representa la propensión de los sistemas estructuralmente estables a manifestar discontinuidad (pueden producirse cambios repentinos del comportamiento o de los resultados), divergencia (tendencia de las pequeñas divergencias a crear grandes divergencias) e histéresis (el estado depende de su historia previa, pero si los comportamientos se invierten, conducen entonces a que no se vuelva a la situación inicial).”