EMERGENCIAS 2018 /// CENTRO CULTURAL DE NOAIN

 “FRUSTUM” es la exposición que Xabier Barios Elcid presenta en el Centro Cultural de Noáin, su obra refleja cuestiones en relación a cómo entendemos y representamos nuestro entorno. Tratando de trasmitir, las dudas que le generan ciertas estrategias y procesos ya interiorizados que aplicamos en la construcción de esos medios y que, irremediablemente influyen en nuestra percepción, forma de relacionarnos, comprendernos y realizarnos como individuos dentro de la sociedad de la información. Hablamos con el autor para que nos aporte más información al respecto:

CCN: ¿Cómo surge este proyecto? ¿Qué nos quieres transmitir con el?

 Xabier: Tiene su germen en un trabajo que realicé hace ya muchos años, en 2006 … titulado Aleph e inspirado en un relato de Jose Luis Borges.

Pero principalmente la idea surge desde Frustum,  la voz latina para “fragmento”. El término se utiliza a menudo en la industria del videojuego y la animación por ordenador para indicar la porción de mundo virtual que es visible en la pantalla. Yo, la aplico a la fotografía, y a como entendemos el entorno y lo hacemos nuestro a través de los medios, indicando el imaginario que abarca el objetivo.

A partir de esta idea, voy reflexionando sobre la forma en que fragmentamos el mundo y la visión. Y como las nuevas tecnologías digitales reconfiguran esos fragmentos para crear nuevas percepciones del espacio y el tiempo.

CCN: ¿Qué plantea la obra Frustum?

 Xabier: La obra “Frustum” trata de abrir un marco de reflexión sobre la forma en que un espacio “vacío” puede ser interpretado por las tecnologías ópticas o la matemática, en referencia a la ciencia, el arte y los dispositivos de representación. A través de ellos, pretendemos comprender la realidad, pero sin preguntarnos si esos contenidos no se deben a formas eje-mónicas de representar y captar el entorno.

La fotografía, no solo se ciñe al punto de vista del fotógrafo, sino a un programa. Al respecto, Vilem Flusser cree, que una práctica que desvele “esa funcionalidad de los aparatos no intencional y rígida e incontrolable”[1] puede ser el quid para abrir un posible espacio a la libertad.

CCN: En la obra “Frustum 43°13′43′′N 2°35′24′′O” la acción que desencadena el proceso tiene lugar en el monte Oiz ¿Has elegido este lugar por algún motivo concreto?

Xabier: El  título se refiere a las coordenadas concretas de un cubo de aire alojado en la cima del monte Oiz, que yo intento trasladar a la sala en la obra.

Y la elección del monte, tiene que ver con los actos de poder. Por un lado por ser un espacio de carácter histórico como monte Bocinero y por otro por que su cima alberga una antena, 40 molinos de viento, un cromlech y un punto geodésico de primer orden.

Antiguamente desde el lugar se llamaba a las Juntas Generales de Vizcaya. Y hoy día, encontramos una enorme estructura con varias antenas que facilitan las comunicaciones y la transmisión de señales a todo el mundo, algo que hace posible el intercambio de información en un acto de comunicación que se realiza a través del formato digital y la electricidad. Dos elementos que hacen que se “mueva” el mundo.

Tal y como lo hace el viento, solo perceptible a través del movimiento y sonido de los molinos instalados en la cima; aspas que generan la electricidad necesaria para la proyección, toma y manipulación de datos digitales que viajarán a través de las hondas.

Archivos que nos ayudan a entender y representar nuestro entorno, suplantando a formas analógicas como el negativo u otras más arcaicas como el dibujo y la tradición oral, en la que este mismo monte aparece como segunda morada de la diosa Mari.

CCN: ¿Qué cualidad te parece más interesante de la práctica artística?

 Xabier: Creo que la práctica artística -entre otras cualidades- tiene la capacidad de cuestionar situaciones y problemáticas socio-culturales del contexto actual.

Así, mi trabajo se pregunta por las “herramientas” que utilizamos para captar y ordenar el mundo, reflexionando en torno a los nuevos medios digitales y las antiguas tecnologías analógicas como formas de conocimiento a través de la imagen.

Pero, diría que el arte es un ámbito tan ecléctico, heterogéneo y ambiguo que sería difícil quedarme con una única cualidad del mismo y diría precisamente que esa indefinición,  su permeabilidad y continuo estadio de cambio son lo que me atrae.

CCN: ¿Cuáles son tus próximos proyectos y metas en tu carrera artística?

Xabier: Trataré de seguir en la docencia, algo que me llena y me apasiona, pero sin abandonar la lectura y la escritura o investigación en arte, sea esta última formal o teórica. Es decir seguiré trabajando como hasta ahora.

[1] Flusser, Vilèm. “Una filosofía de la fotografía” Ed. Síntesis. Madrid 2001.

El artista Xabier Barrios expondrá estos días en Noáin, Frustum tiene como objetivo reflexionar sobre la forma en que fragmentamos el mundo y la visión. Y como las nuevas tecnologías digitales reconfiguran esos fragmentos para crear nuevas percepciones del espacio y el tiempo.

La exposición podrá verse en la sala de exposiciones del Centro Cultural de Noáin, del 30 de noviembre al 26 diciembre de 2018 en horario de lunes a viernes de 16 a 21 horas.

El viernes 30 de noviembre a las 19:00 tendrá lugar la INAUGURACIÓN de la exposición, en la que contaremos con la presencia del artista que nos mostrará su propuesta expositiva y sus líneas de trabajo.

Xabier Barrios: Doctor en  Bellas Artes por el Departamento de Arte y Tecnología de la Universidad del País Vasco con la tesis titulada “Arte, hibridación y nuevas tecnologías en la era de la información. La composición digital en la imagen como práctica artística”, imparte clase como docente en dicho departamento de la Facultad de Bellas Artes de Leioa. Durante su trayectoria ha expuesto en lugares como la sala Rekalde, Bilbao Arte, El centro Huarte, El Bilbao Exibition Center (BEC), la Ciudadela de Pamplona, la Sala Araba, Getxo Arte, Portalea en Eibar, o el MuVIM de Valencia.

Frustum: «Es la voz latina para “fragmento”, la porción que está entre dos planos paralelos que lo cortan. El término se utiliza a menudo en la industria del videojuego y la animación por ordenador para indicar la porción de mundo virtual que es visible en la pantalla. Aquí se aplica a la fotografía, indicando el imaginario que abarca el objetivo.La instalación parte del dialogo entre los sistemas de representación basados en la imagen sea esta digital o no y el propio entorno, que es referente para la obtención de las mismas. En concreto la acción que desencadena el proceso tiene lugar en el monte Oiz3, donde se intenta “aprehender” simbólicamente un cubo de 80×80 cm3 mediante distintos medios.

A partir de esa idea, voy reflexionando sobre la forma en que fragmentamos el mundo y la visión. Y como las nuevas tecnologías digitales reconfiguran esos fragmentos para crear nuevas percepciones del espacio y el tiempo. Esto acaba afectando irremediablemente a nuestra forma de entender ciertos medios de expresión y aparatos tecnológicos del pasado.

Frustum 43º 13´43´´N 2º 35´24´´0´´ los números corresponden a las coordenadas cartesianas de ese “cubo de aire”. Así, asistimos a una imposibilidad de reproducción del entorno. Una cuestión e la que ciertas certezas, como el hecho de referencialidad y fidelidad hacia este, que se le presuponían a los medios tecnológicos de captación, han devenido en realidades bien distintas en las que se adivina la grieta de la subjetividad, si cabe más ancha ahora que la variabilidad de la “materia” digital y el pixel, en concreto, la han hecho evidente. Tensiones que dentro de la propia obra surgen entre los diferentes espacios, medios y formas de entender y representar ese límite, marcado por un punto de vista eje, monico, puesto en duda por ese cubo de 80×80 cm3 de aire que enmarca el horizonte del monte Oiz, para trasladarlo a un lugar de pensamiento».

 “SLOBODA NARODU!” es la exposición que Eriz Moreno Aranguren presenta en el Centro Cultural de Noáin, tiene como objetivo realizar una lectura artística del concepto “Europa” a partir de la experiencia directa como autor con la antigua Yugoslavia, cuyos países representan y ejemplifican, a pequeña escala, la historia antigua y moderna del resto del continente, ya que en su territorio se condensan gran parte de los conflictos que han dado forma al mapa contemporáneo de Europa: Primera Guerra Mundial , Segunda Guerra Mundial, Guerra Fría, las Guerras Yugoslavas, llegando a la presente adhesión o candidatura de todos los estados exyugoslavos a la Unión Europea y/o a la OTAN.

Hablamos con el autor para que nos aporte más información al respecto:

CCN: El título no es un título al azar ¿Cuál es su significado?

Eriz Moreno: El título de la exposición tiene origen en el lema en serbocroata Smrt fašizmu, sloboda narodu! utilizado por los partisanos yugoslavos, la traducción sería: ¡Muerte al fascismo, Libertad para el pueblo!. En este caso, la frase se extrapola a su contexto de la Segunda Guerra Mundial, haciendo referencia a los diferentes conflictos históricos vividos en los Balcanes y resulta interesante como la idea de pueblo ha cambiado en la región.

Además, en la contemporaneidad, se nos suele “vender” cualquier acción bélica desde el punto de vista de la libertad para el pueblo (Libia 2011, Irak 2003, Panamá 1989, etc), y se plantea la duda: ¿somos realmente libres?

CCN: ¿Cómo surge este proyecto?

Eriz: El proyecto surge en 2015, año en el que comencé un proyecto de investigación más extenso con el título Bratstvo i Jedinstvo, que quiere decir: Hermandad y Unidad. Este nombre era el lema de Yugoslavia y el nombre de la única autopista del país, creada durante la época de Tito.

A partir de la experiencia personal en los países ex yugoslavos es como comencé a tener la noción suficiente sobre el antiguo país como para plantear esta exposición.

 CCN: En tu obra encontramos imágenes, objetos, audios y vídeos. ¿Cómo ha sido el proceso para conseguir esta colección?

Eriz: El proceso comenzó mediante el viaje en carretera. Como decía en la pregunta anterior, el proyecto surge del encuentro personal con el ex país en un viaje. Mientras viajaba iba coleccionando todos los materiales que podemos ver en la exposición y algunos más. La colección consta de dos partes: una con obra realizadas por mí y otra con materiales obtenidos, por ejemplo, de archivos públicos, mercadillos o anticuarios. A partir de esta colección es de donde se seleccionan los materiales que componen cada exposición, teniendo cada una de ellas un acercamiento diferente a la idea de lo que era y es Yugoslavia.

CCN: ¿Cuáles son tus próximos proyectos y metas en tu carrera artística?

Eriz: Mis próximos proyectos continúan con la línea de trabajo del que podemos ver en Noáin, aunque con las lógicas diferencias. Uno de ellos es sobre una carretera llamada Transfăgărășan, situada en Rumanía. En este caso la idea es solamente la de viajar, y mediante el viaje conseguir retratar la carretera y su entorno. Considerar la carretera como objeto, y el viaje como proceso creativo.

También estoy realizando un proyecto sobre la antigua República Democrática Alemana. Centrándome en la celebración del 20 aniversario en 1969 y en cómo este evento fue retratado en publicación Fest der Millionen. En este caso la obra trata sobre la traducción del espacio interior de un libro al espacio expositivo.

El artista Eriz Moreno expondrá estos días en Noáin, Sloboda narodu! tiene como objetivo realizar una lectura artística del concepto “Europa” a partir de la experiencia directa como autor con la antigua Yugoslavia, cuyos países representan y ejemplifican, a pequeña escala, la historia antigua y moderna del resto del continente, ya que en su territorio se condensan gran parte de los conflictos que han dado forma al mapa contemporáneo de Europa: Primera Guerra Mundial , Segunda Guerra Mundial, Guerra Fría, las Guerras Yugoslavas, llegando a la presente adhesión o candidatura de todos los estados exyugoslavos a la Unión Europea y/o a la OTAN.

La exposición permanecerá abierta desde el 2 hasta el 23 de noviembre en horario de 16:00 a 21:00 horas en el Centro Cultural de Noáin.

Eriz Moreno: Estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna de Tenerife.

Obtuvo una beca de residencia en Fundación BilbaoArte. Una beca de Creación Eremuak del Gobierno Vasco. Una subvención para el Fomento y Desarrollo de las Artes Plásticas y Visuales del Gobierno Vasco y una beca STEP Beyond para artistas emergentes de la Unión Europea.

Ha hecho varias exposiciones, entre ellas:

“The Clash / Spopad / Choque / Střet” en la Galería Alkatraz de Ljubljana, Eslovenia.

“…at least a provisional way to settle in one place” en el Centro Cultural Montehermoso, Vitoria.

“Meeting Point”en Kunstverein Konstanz y Kunstraum Kreuzlingen, Alemania y Suiza.

“Ararat” en el Museo de Arte Contemporáneo de Ereván, Armenia.

“Horizonte” en el Museo Guggenheim, Bilbao.

Sloboda narodu!: «En el título del proyecto se hace referencia a la frase partisana “Smrt fašizmu —Sloboda narodu!” (del serbocroata: Muerte al fascismo — Libertad al pueblo!) como referencia a la serie de conflictos históricos vividos en los Balcanes. Omitiendo a la referencia del fascismo, por ser delimitado a la Segunda Guerra Mundial, con el título se quiere describir cómo, en la contemporaneidad, se nos “vende” cualquier acción bélica desde el punto de vista de la libertad para el pueblo (Libia 2011, Irak 2003, Panamá 1989, etc), y se plantea la duda: ¿Somos libres dentro de la Unión Europea?

Al proponer la realización de un proyecto que tiene como título la palabra “libertad” surge la necesidad de cubrir un amplio espectro de puntos de vista, por lo que la interdisciplinariedad es un objetivo principal. Hay que conseguir sumar la mayor cantidad de formas de percepción diferentes para llegar a un panorama de perspectivas diversas sobre lo que ha sido y es Yugoslavia hoy en día. La complejidad de la región combina aspectos históricos, arquitectónicos, religiosos, políticos, culturales, etc…, por lo que un acercamiento, en este caso artístico, a esta realidad sólo se puede lograr estableciendo una visión lo más amplia posible. Uno de los principales medios de aproximación a la región ha sido la Autopista “Hermandad y Unidad”, la cual ofrece un vínculo que permite conectar y establecer una relación conceptual entre realidades muy diferentes y dispersas en el territorio; un vínculo que, al ser registrado de un modo formal ofrece la herramienta de acotación principal sobre la que encontrar y analizar otros elementos de análisis para el proyecto. Incluso el mismo nombre de la autopista (dado por Tito en el año 1950) aporta un sentido melodramático y metafórico, ya que significa no sólo la unión de todos los países de Yugoslavia, leitmotiv del Partido Socialista Yugoslavo, sino también una forma real y simbólica de una unidad con occidente. Por lo que la forma expositiva sería a partir de la experiencia in-situ: planteando una mirada, personal. Esta mirada es irrevocablemente contemporánea, pero se completaría con materiales de archivo relacionados con la Yugoslavia histórica, una Yugoslavia que aunque no exista sigue estando presente en el imaginario colectivo de la región».

EL artista Martín López Lam expone estos días en Noáin, JPEG2000 reúne dibujos y serigrafías realizadas entre 2016 y 2017. En ellas conviven una serie de imágenes provenientes de diferentes tradiciones gráficas, que se mezclan y resuenan como los elementos de un alfabeto construido con pedazos de idiomas pasados. JPEG2000 es un diario, un codex moderno que permite explorar tensiones, ideologías y cotidianidades diversas a través del dibujo y su potencial comunicador.

La exposición permanecerá abierta desde el 4 hasta el 24 de octubre en horario de 16:00 a 21:00 horas en el Centro Cultural de Noáin.

Martín López: Estudio en la Facultad de Bellas Artes de la Pontifici, Universidad Católica del Perú y en la Faculdad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, España.

Ha hecho varias exposiciones individuales:

“NUEVOS DIBUJOS”  en el Centro Cultural de España de Lima, Perú. “MAUVIS OEIL #31” en el Friche La Belle de Mai de Marsella, Francia.

“PARCO FALAFEL” en el Museo Internazionale e Biblioteca della Musica de Bologna,

Italia.

“OBRA GRÁFICA” en el Museo del Barrio de  Manizales, Colombia.

“POR SI ALGUNA VEZ LO OLVIDO, RECUERDA NO MORIR NUNCA” en la Galería Rosa

Santos de Valencia, España.

Premiado con el  Injuve de Cómic e Ilustración. Categoría de Cómic. Instituto de la Juventud de España.

Ha recibido varias becas por su obra, Beca Residencia Maison des Auteurs. Angouleme, Francia. Beca Residencia Real Academia de España en Roma. Italia. Matrijaršija. Residencia gráfica. Zemun, Serbia y beca de Circulación Internacional Manizales Entreviñetas. Manizales, Colombia.

JPG2000: «Se inició en el año 2016 como continuación del proyecto EL TITULO NO CORRESPONDE, serie de dibujos que exploraban los suburbios romanos y ciertas zonas donde la comunión de diferentes grupos migrantes había reconfigurado el barrio. Este trabajo me abrió las puertas para explorar el dibujo. Desde su lado más narrativo, referenciando el cómic en primer lugar, creando relatos abiertos entre los dibujos, a manera de gran coro anárquico, donde todas las vocas sonaban a la vez y se iban superponiendo constantemente en el papel. Esta idea de mixtura cultural, me ha llevado a trabajar con la combinación de diferentes tradiciones gráficas (populares, religiosas, de entretenimiento, educativas, etc), como una manera de hacer dialogar las diversas influencias y puntos de vista que se oyen y pueden (o no) tener resonancia en un periodo donde el consumo de información, gracias a internet y al bigdata, llega a desbordarnos».

La muestra está conformada por 4 partes:

JPEG2000, dibujos de 50cm x 70cm, realizados a partir de fragmentos de cómic de aventura y mangas.

NUEVA AVENTURA, dibujos en formato 40cm x 30cm, realizados a partir de portadas de cómic de aventura donde los personajes han sido eliminados dejando exclusivamente el paisaje.

GBR, serigrafías realizadas a partir de iconografía precolombina y cerámica hispánica.

S/T, dibujos en blanco y negro realizados a partir de páginas de cómics infantiles donde todos los elementos han sido reemplazados por masas de color, abstrayendo las formas de cualquier narrativa posible.

CENTRO CULTURAL DE NOÁIN: “Sprechgesang” es la exposición que presentas en el Centro Cultural de Noáin que se compone de piezas negras, de suelo y pared acompañadas por piezas de vídeo y sonido. Las piezas de vídeo forman parte del proceso de laboratorio de transformar la poesía y el audio es un conjunto de poemas recitados con autotune. ¿Cómo surge este proyecto?

María Benito: Venía de un proyecto en el que escribí mucho y por inercia seguí escribiendo durante una temporada, y poco a poco empecé a investigar pero sin la sensación de estar trabajando. Siempre había gastado horas y horas viendo videos de freestyle, de recitales de poesía, de monólogos, entrevistas de artistas y cómicos que me gustaban. Y simplemente se fue creando un terreno en el que trabajar. Y como había pasado tanto tiempo escribiendo, me empezaron a dar ganas de volver a la escultura y poco a poco cada cosa empezó a tener su espacio. Escribía mientras escuchaba Camarón, al mismo tiempo que hacía escultura mientras escuchaba el nuevo disco de Kase O y por las noches me veía todos los programas de Ilustres ignorantes. Al final, sin darme cuenta junté todo lo que me gustaba y me lo empecé a pasar bien.

CCN: ¿Qué relación existe entre las diversas piezas?

María: Bueno, está claro que a simple vista el color negro las reúne a todas de forma rápida, por eso las llamo <mis piezas negras>. Pero aparte de eso, detrás de todas las piezas siempre hay un verso, un comentario, un twitt, una conversación… Los vídeos y el audio ayudan a entender que todas las piezas tienen que ver con la poesía.

CCN: ¿Cómo creas las piezas de suelo a partir de un texto poético?

María: Cuando trabajo con mis propios textos los oralizo y juego a partir de ahí. Trabajo con los ritmos, las pausas, los tonos, y eso enseguida se vuelven alturas, formas, texturas… Si me da por recitar un texto a gritos la pieza se vuelve grande, tosca, valiente. Si me da por susurrar, va a ser una pieza más íntima, pequeña, sensible, cobarde… No tengo una fórmula tampoco, a veces es más cómo me siento al recitarlos, o al escribirlos.

Cuando trabajo con textos de otros respeto sus ritmos y trabajo desde ahí. Por ejemplo, es tan importante la forma de escribir de Oscar García Sierra como su forma de recitar.

CCN: ¿En qué momento y por qué tomo más importancia la escritura en tu obra?

María: He escrito desde siempre y muchas veces he metido texto en mis piezas, a veces torpemente, pero a partir del trabajo de fin de máster que se titulaba “Conversaciones con varias máquinas de escribir” que era un librito con un recopilatorio de textos, me di cuenta de que no podía trabajar sin escribir. Y poco a poco encontré un equilibrio. El texto no podía suplir las carencias de una escultura ni al contrario, la escultura las carencias del texto.

Pero sobre todo empecé a trabajar más con la escritura porque cuando tenía un día tonto y no me apetecía salir de la cama, podía escribir tumbada y sentir que seguía trabajando.

CCN: El título de tu obra es un término musical que se emplea para referirse a una técnica vocal que se encuentra entre cantar y hablar. ¿Qué confluencias y límites encuentras entre escribir, hablar, cantar, recitar…?

María: Me interesa la musicalidad de la palabra, una canción cantada a capela, un rapero que tira sus líneas sin base o escuchar a alguien hablar con acento o cómo hablamos en una discusión calentita o en un susurro o cómo hablamos mientras lloramos. Me gusta cuando se juntan dos cosas y pasa algo. Me gusta cuando yo escribo algo y le pongo un tono en mi cabeza y otro lo lee y le pone otro tono. Me interesa encontrar una nueva manera de recitar que no sea la que hemos escuchado todos, con las mismas pausas, los mismos silencios, el mismo tono romántico. Busco los límites de las cosas para encontrar algo por la mitad que sea nuevo e interesante. Pero las palabras que me gustan están bien en cualquier límite.

CCN: Entre las diferentes técnicas y herramientas, que usas en tu obra ¿Cuál es la que más te interesa?

 María: No sabría decantarme, cada disciplina me ayuda a despegarme de otra disciplina. Es un alivio escribir cuando empiezo a cogerle asco a la escultura, o usar el audio sabiendo que es una herramienta que todavía no manejo o que es nueva para mí. O el video que puedo usar para trabajar algún concepto de forma rápida. Así no me bloqueo tanto.

CCN: ¿Cuáles son tus próximos proyectos y metas en tu carrera artística?

 María: No se si tengo de eso. Quiero seguir sacándole partido a mi cabeza, hacer cosas y exponer de vez en cuando para que la gente vea que hago cosas. Quiero poder permitirme un local para trabajar y tener tiempo para trabajar… Sí que es verdad que me encantaría probarme recitando en diferentes espacios, por eso agradezco muchísimo poder recitar el día 26 en vuestra biblioteca porque podré alimentar esa parte de rapera que hay en mí, aunque me vaya a morir de la vergüenza. Me gustaría ir por ahí recitando.

La artista María Benito Píriz expone estos días en Noáin, la exposición se compone de piezas negras, de suelo y pared. Con materiales propiamente negros (láminas de aislamiento acústico viscoelásticas, tuberías, caucho) o materiales cubiertos de pintura negra (madera, corcho, aglomerado), acompañadas también por piezas de vídeo y sonido. Las piezas de vídeo forman parte del proceso de laboratorio de transformar la poesía y el audio es un conjunto de poemas recitados con autotune.

La exposición permanecerá abierta desde el 6 hasta el 26 de abril en horario de 16:00 a 21:00 horas en el Centro Cultural de Noáin.

El jueves 26 de abril a las 18:30 tendrá lugar una visita guiada a la exposición seguida de un recital en la Biblioteca Pública de Noáin en la que la artista nos acercará y explicará su propuesta expositiva y sus líneas de trabajo.

María Benito: Graduada en Arte en la UPV/EHU de Leioa, hizo un máster de Investigación y Creación en Arte, en la UPV/EHU de Leioa y un taller de cine: “La Dirección Desobediente” impartido por Profesor Andrés Rafael Zabala Rufa (Universidad de Roma) en la UPV/EHU de Leioa.

Ha sido becada por la Fundación BilbaoArte.

Ha recibido el tercer premio en XXXIII Muestra de Arte Joven en La Rioja con la obra “Transformación de poesía” y  seleccionada para varios proyectos, entre ellos: Eginberri en el Museo Guggenheim de Bilbao con la obra “ Escenarios ”, en la 31 Edición de la Muestra Itinerante de Artes Plásticas Ertibil Bizkaia, con la obra “La palabra hablada”, en el Certamen de Pintura de Primavera X Premio Eduardo Ruiz-Golluri, Cadiz y en el Second International Student Biennal Drawing Sofía, Bulgaria con la obra “Traqueotomía”.

Sprechgsang: «El éxito y el fracaso, el exitoso y el fracasado. Cuanto más alto estés, mayor será la caída. La exposición se compone de estructuras de suelo creadas a partir de un texto poético oralizado. La modificación del suelo para ser utilizado como espacio de recital creando una superficie a una altura superior a la del caminar, a la de estar. Se analizan las diferentes alturas de una superficie para convertirse en escenario, en peana, en pódium. Teniendo la altura como el ego, cada texto necesita de una distancia del suelo acorde con el estado emocional del texto. El ego como unidad de medida. Sprechgesang es un término musical que se emplea para referirse a una técnica vocal que se encuentra entre cantar y hablar. Se analizan los límites entre el momento de hablar y de escribir. Se busca la musicalidad de la palabra y las nuevas formas para la poesía. Se necesita una forma física para la palabra. El llanto como elemento plástico. La interpretación memorizada de una canción, de un texto poético. La oralidad memorizada, el llanto forzado. El quejío fingido. La palabra teatralizada. Los distintos niveles de altura, de recorrido, de reflexión, de respeto que pretende el texto poético recitado: la entonación, el ritmo, la métrica, la estructura y la duración son los valores a tener en cuenta».

CENTRO CULTURAL DE NOÁIN: «Teoría de las catástrofes» es la exposición que presentas en el Centro Cultural de Noáin que se compone de un texto del filósofo Adorno escrito con spray sobre cartulinas en la pared de la sala, un dibujo a lápiz de un recién nacido y una escultura de piezas de piedra «Maslow exercises». ¿Qué relación «catastrófica» existe entre las diversas piezas?

Fermín: La pieza principal de la exposición es De adorno que es la cita extraída de su Teoría estética, se puede decir que post-procesada para proyectarla con spray sobre la pared de la sala. Inicialmente la pintada se realizaría sobre la propia pared, pero en el replanteo de la exposición se me ocurre dar un giro adicional a las múltiples lecturas (todas válidas) que podemos dar a la pieza y decido ejecutar la pintada sobre cartulinas de manera que al acabar la exposición poder retirarlas y encuadernar las 270 cartulinas en un libro. Este libro es ininteligible a excepción de algunas palabras que el propio azar hizo que cayesen en una hoja completas, principalmente “arte, social, etc”. Palabras que se repiten en el texto y que me hacen pensar a menudo en el texto como dato, considerando estos como herramientas ideológicas de adoctrinamiento.

Las otras dos piezas que completan la exposición son trabajos anteriores que considero pertinentes para apuntalar la pieza principal y son: un dibujo a lápiz que forma parte de la serie The infinite monkey theorem y una escultura en forma de pirámide titulada Maslow exercises.

El punto de partida que aglutina los tres trabajos de la exposición es la tesis de que las pequeñas alteraciones en sistemas complejos tienen la suficiente relevancia como para ser tomados en consideración. Es decir, la posibilidad de invertir la pirámide de necesidades humanas de Maslow por ejemplo, platea el supuesto de no aceptación del orden establecido en esta representación generalista de las motivaciones humanas. También el extraer un texto de un tratado filosófico (que trata de postular una cosa en unos casos y todo lo contrario en otros) sobre las posibilidades del arte; desmontarlo y volverlo a construir en un libro nos sirve para replantear las posibilidades de transformación de sistemas complejos a través de los pequeños cambios.

Todo esto nos lleva a las escasas (al menos por el momento) posibilidades que el arte contemporáneo tiene de transformar la realidad a través de grandes cambios, activados por los artistas y/o sus obras en contraposición a unos modos de hacer más relacionados con los pequeños cambios, que quizá si estén produciendo ciertas afecciones en la realidad.

CCN: El texto seleccionado de Adorno forma parte de su obra póstuma «Teoría estética». Al reproducirlo en la pared has convertido en obra de arte un texto que habla de arte, con una estética de grafiti asociada al vandalismo. ¿Te interesa que el espectador profundice en la filosofía de Adorno y logre comprender la pieza y el porqué de la técnica o todo esto no es necesario?

Fermín: Efectivamente en mi trabajo siempre pretendo que esté presente un aspecto didáctico que lo haga próximo de alguna manera al espectador, por eso emplear la técnica del grafiti con aspecto de pintada política, como el que podemos ver en cualquier pared de nuestros pueblos y ciudades. Al utilizar un texto filosófico sobre arte pretendo que lleve al espectador (mediante esta figura de la pintada política) a un orden subversivo que cabría esperar del arte contemporáneo.

CCN: ¿Cómo afecta tu profesión a tu obra artística? ¿Se cuela el diseño industrial en lo artístico?

Fermín: Totalmente y también diría que los modos de hacer en el arte también se cuelan en mi trabajo industrial.

CCN: ¿Cuáles son tus próximos proyectos y metas en tu carrera artística?  

Fermín: Actualmente estoy terminando una publicación sobre mi trabajo artístico de los últimos años, titulada 100 Después de Duchamp y que está monopolizando los últimos meses de trabajo por lo complejo de revisar ya 17 años de producción artística.

La convocatoria Emergencias 2018 finalizó el 30 de Noviembre, a ella se presentaron 87 artistas emergentes de los cuales 20 procedían de Navarra, 16 del Pais Vasco, 45 de otras comunidades autónomas y 6 del extranjero (Argentina, Méjico, El Salvador…).

El jurado ha estado formado por Juan Zapater, Director de BilbaoArte, Blanca Oria, gestora cultural y periodista, María Ozcoidi, gestora cultural (Cofundadora de Pensart, curadora de Panoramica Quito, responsable de programas educativos MetQUITO) Nieves Beloqui, gestora cultural del Centro Cultural de Noáin y Raquel Samitier, artista y miembro del equipo del Centro Cultural de Noáin.

El pasado viernes 15 de diciembre el jurado seleccionó cuatro propuestas entre las 87 participantes y son las siguientes:

Del 6 al 26 de abril: ” SPRECHGESANG” de MARÍA BENITO  https://mbenitopiriz.tumblr.com/

Del 3 al 24 de octubre: “JPG200” de MARTÍN LÓPEZ LAM  http:cargocolective.com

Del 2 al 23 de noviembre: “SLOBODA NARODU!” de ERIZ MORENO http://erizmoreno.info

Del 30 de noviembre al 26 de diciembre: “FRUSTUM” de XABIER BARRIOS  http://xabierbarrios.blogspot.com.es/