JORGE TELLECHEA /// ENTREVISTA

enero 24, 2017 at 7:38 pm

JORGE TELLECHEA NOAIN

 

CENTRO CULTURAL DE NOÁIN: ¿Cómo descubriste que la fotografía era tu pasión y cómo conseguiste hacer de ella tu profesión?

JORGE TELLECHEA: Desde muy pequeño he tenido fascinación por el mundo de la fotografía. 

Recuerdo que mi primera cámara la tuve con 9 años, en el primer carrete seccioné las cabezas de todos mis familiares…

Más adelante en 1999, me empecé a interesar de manera más real por el mundo fotográfico, comprendí que la fotografía puede ser un canal de expresión.

En cuanto al tema de convertirla en mi profesión, he trabajado 10 años como delineante proyectista en un estudio de arquitectura y por el devenir de la vida, la crisis, cambios en la empresa en la que trabajaba, etc… Decidí aparcarlo todo e inscribirme en la Escuela de Arte de Pamplona a estudiar fotografía dentro de una enseñanza reglada, ya que yo hasta ese momento solo tenía una formación autodidacta.
A raíz de ello, comienzo a utilizar la fotografía y el vídeo también de manera profesional. No solo de manera artística, como venía haciendo hasta esa fecha.

 

CCN: Has viajado por el mundo sacando fotografías en ciudades como Tokio o Nueva York, también has estado en Noruega y Suecia, desarrollando en cada lugar un proyecto diferente. ¿Decides el tema antes de embarcarte en el avión o es en tierra firme, una vez que ya te has ubicado en el nuevo territorio?

J.T: Para mí viajar es algo fundamental para crecer como persona. Siempre lo he hecho y espero poder seguir permitiéndome hacerlo
Estos proyectos que comentamos aquí han surgido de maneras distintas:
“NY_Stolen Portraits” estaba planificado antes de hacer el viaje.
“Mirada al norte”, surgió una vez allí por el sentimiento de soledad que despertó en mi la distancia entre poblaciones y el carácter de su climatología

 

CCN: Billboards, (vallas publicitarias) es el proyecto que presentas en Noáin. La primera imagen de la exposición nos anuncia que “Muchas historias comienzan aquí” pero lo que encontramos al recorrer la exposición es todo lo contrario, vallas publicitarias abandonadas en descampados, o fotografiadas por la parte anodina de atrás. ¿Cuáles son esas historias que comienzan aquí, en estas vallas que no publicitan nada?

J.T: Hace ya mucho tiempo, uno de mis máximos referentes en fotografía me dijo que la fotografía debe ser el principio de algo, nunca el final.  Cuando saqué esa fotografía sabía que iba a ser el inicio o cierre de la serie.

Inicio porque a partir de esa foto empieza una historia para cada fotografía que presento dentro de la serie, inicio también porque ahí comienza la historia que yo pretendo transmitir con la  serie e inicio también como broche final porque en ese momento empieza la interpretación que el espectador quiera dar, tanto a la serie como a la historia individual que le pueda transmitir cada fotografía.
 

 

CCN: La publicidad se nutre de la fotografía para conseguir sus fines, ¿qué opinión te merece, como fotógrafo, la saturación de imágenes que la publicidad vierte sobre nuestra vida cotidiana?

ENTREVISTA A JAVIER CORSO /// Fishshot

noviembre 19, 2015 at 5:15 pm

 Javier Corso

Centro Cultural de Noáin: Fishshot es un proyecto documental, fotográfico y audiovisual que retrata la soledad y los problemas de violencia y alcoholismo que afectan a la sociedad finlandesa. ¿Qué dificultades habéis encontrado en el camino? ¿Habéis bebido Fishshot para entender la problemática en vuestra propia piel?

Javier Corso: En el transcurso del reportaje nos hemos aproximado mucho a los personajes retratados. En algunos casos eso significa haber invertido horas acodado en la mesa del bar, compartiendo algunas palabras y muchos silencios con personas, que de forma progresiva se abren a ti y te cuentan sus historias. El hecho de no ser finlandeses nos ha abierto muchas más puertas de las que nos ha cerrado, precisamente debido a la timidez que existe entre ellos tanto para preguntar como para responder y hablar abiertamente de temas personales. La mejor carta de presentación acostumbraba a ser una sonrisa en la cara y una gran jarra de cerveza en la mano. También probamos el Fishshot, una bebida autóctona hecha a base de vodka y caramelos “Fisherman’s Friends”, y que da título a nuestro proyecto.

C.C.N: Visitaste este país buscando su cara oculta ¿Cómo te recibieron los finlandeses? ¿Cómo han recibido tu trabajo y tu investigación?

ENTREVISTA A NEREA DE DIEGO /// Puesta en escena de colección (lab)

octubre 6, 2015 at 2:09 pm

nerea de diego puesta en escena de coeccion(lab)

CENTRO CULTURAL DE NOÁIN: ¿Cuál fue ese momento en que tuviste en tus manos la primera figura de la virgen y supiste que iba a comenzar tu colección? ¿Tuviste una iluminación mariana?

NEREA DE DIEGO: Primero fueron las fotografías, comencé a registrar altares populares en Italia. Estaba de Erasmus en Bolonia y en las calles había muchos altares, llenos de ofrendas. Eso fue lo que llamó mi atención, la virgen no me  ilumino, por supuesto, en la primera foto que tomé ni siquiera se veía. Lo que me atraía, y me sigue atrayendo, era la profusión de flores, velas, exvotos dejados ahí, en la calle, por personas desconocidas. De estos altares populares la gran mayoría son marianos, hay una proporción muy baja dedicados a cristo o a santos. Y eso también me hizo interesarme por esa devoción a la virgen, tan popular y paradójica; y sus representaciones.

La idea de que hay una colección llega después, cuando ya hay una serie.

 

CCN: Durante un mes el Centro Cultural se ha convertido en tu estudio o laboratorio, donde pones y quitas, cuelgas y descuelgas, mueves y organizas tu nutrida colección de imágenes y figuras de la virgen. ¿Crees que conseguirás definir la puesta en escena definitiva de tu colección o este hecho es imposible?

NDD: Por supuesto que no, no es mi objetivo. Todo lo contrario, he encarado el proyecto de este modo precisamente por la imposibilidad de concluirlo. La colección es inconclusa por naturaleza por lo que me resultaba muy difícil imaginar un resultado para mostrarla. Llevo mucho tiempo con ella, a veces aflora más en mi obra y otras está latente, pero está ahí desde hace casi 20 años. En este momento me interesa investigar sobre sus posibilidades, para eso necesito un contexto, la sala de Noain en este caso, en el que jugar con las piezas, ensayar y ponerlas en escena; pero no es una obra cerrada, que se vaya a quedar así. Si la muestro en otros contextos cambiará.

 

CCN: Este uso de la sala de exposiciones como laboratorio  (desordenado e inconcluso) de alguna manera desacraliza el espacio de exposiciones convencional. ¿Qué opinión te merecen las galerías o salas de exposiciones, están abiertas a las nuevas formas que está tomando el arte contemporáneo?

NDD: Resulta difícil generalizar, pero vosotras sois un ejemplo de que sí que están abiertas, algunas al menos.

ENTREVISTA A ANTONIO BAREA /// UAV-Unmanned Aerial Vehicle–

junio 15, 2015 at 3:04 pm

Antonio Barea

Centro Cultural de Noáin: UAV -Unmanned Aerial Vehicle- recoge tu particular visión del paisaje motivado por los acontecimientos de la historia en los que el hombre es capaz de superar la escala humana y ver el mundo desde otra dimensión. En el proceso de creación de las obras adquiriste un dron ¿Sentiste la sublimación por la experiencia de la vista aérea?

Antonio Barea: Francamente, no. Sin embargo la búsqueda de ese nuevo sehnsucht ha sido apasionante e intensa. Normalmente no busco conseguir objetivos, sino más bien desarrollar procesos o establecer conexiones entre elementos distantes, a fin de cuentas, intento continuar “deseando desear encontrar”. Que aparezca la figura del drone en el proyecto, tiene que ver con una posible similitud  entre  la mirada ante el paisaje, de los paisajistas románticos del s.XVIII y los actuales operadores de drones. En ambos casos, tanto la lejanía del acontecimiento  como la presencia del observador son notables.  Das eismeer, tela de Caspar David Friedrich, previamente conocido como Escena imaginada en el Mar Ártico: barco naufragado entre masa de hielo a la deriva, quizá sea el punto de inflexión entre el observador romántico y el operador de drone. Ambos contemplan la escena del desastre (Naufragio y territorios arrasados), experimentan el paisaje y por supuesto enmarcan la escena, ya sea en el lienzo o en la pantalla.

C.C.N: Si pudieras volver a nacer ¿quién de estas personalidades querrías ser: Le Corbusier, Felix Baumgartner, Gaspard-Félix Tournachon (Nadar), Philippe Petit o David Friedrich? ¿Y por qué?

A.B: En cierto modo, no me gustaría volver a nacer, pues eso implicaría desproveer a la vida de su aliciente más preciado, esa unicidad que nos lleva a afrontarla intensamente. Sin embargo si estaría dispuesto a beberme un coupage  que incluyese la sensibilidad de Friedrich, la perspicacia de Le Corbusier, la intuición de Nadar, el equilibrio de Petit y la valentía de Baumgartner.

C.C.N: La exposición se compone de varias esculturas, fotografías, objetos, dibujos, grabados, vídeos, lo que demuestra que eres un artista versátil y multidisciplinar. ¿Valoras el carácter manual o artesanal de una obra de arte o esto es algo secundario para ti?

A.B: Valoro todo atisbo de creatividad, sea manual, mecánico, informático…etc,

ENTREVISTA A VÍCTOR SOLANAS-DÍAZ /// ON THE TIME AND THE INSTRUMENTAL FACTOR

diciembre 2, 2014 at 5:21 pm

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Centro Cultural: Estudiaste Bellas artes y te especializaste en pintura. ¿Cómo fue ese momento en el que decidiste no coger nunca más un pincel? ¿Cómo te enamoraste de la cinta adhesiva, fue flechazo o se produjo con el tiempo?
Víctor Solanas Díaz: En realidad cojo los pinceles a menudo pero este proyecto con cinta adhesiva no requiere de otros materiales. Suelo pintar o dibujar según las necesidades de la obra que quiero hacer. Al final, el medio es solo un elemento, condicionante y que debe ser controlado, pero solo un elemento en el proceso de creación. Lo esencial es aquello que quieres hacer, representar o decir. En este caso la cinta adhesiva es la protagonista.

C.C: Usas cinta adhesiva de advertencia, de franjas amarillas y negras. ¿Cuál es la advertencia que nos das antes de ver tus obras?
V.S.D: Primero dar un vistazo general al montaje y después entrar a valorar el aspecto estructural de las obras, tanto de las intervenciones como de las piezas individuales. Se trata de acercarse a un tipo de obra que inicialmente parece sencilla por su inmediatez e impacto para el espectador pero que está elaborada siguiendo procesos estructurales muy detallados y precisos.

C.C: Las estructuras binarias que utilizas tienen relación con las composiciones musicales ¿Qué música se oye al ver tus murales?

ENTREVISTA A PEIO IZCUE BASAIL ///// BASO HIL

noviembre 17, 2014 at 3:34 pm

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Centro Cultural: Baso Hil o Bosque muerto es el título de esta exposición. La idea del paso del tiempo y de la muerte está muy presente en todas las obras ¿Cómo de presente está en tu vida?

Peio Izcue: Creo que el arte se debe ocupar de las cosas que verdaderamente importan, y creo que a la mayoría de la gente estas cosas le importan mucho. En lo personal son temas evidentemente importantes,  y en lo colectivo creo que es importante hablar de ellos, ya que la sociedad actual (el capitalismo mejor dicho), nos hace vivir de espaldas a ello. Ignora totalmente la muerte, la ha desalojado de la vida publica, y parece que tuviésemos que vivir en un anuncio constante, jóvenes, sanos y guapos. Y claro, como la  vida no es así, eso genera mucho sufrimiento…

C.C: Para los que no han visitado la exposición todavía…¿qué significan estas palabras: MOLGER, EISTELLUNG, BASO HIL?

P.I: MOLGER: es un tipo de espejo de la marca Ikea. Es un pequeño chiste, una alusión a la metáfora del espejo.

EISTELLUNG: es una tendencia del cerebro a aferrarse a las mismas soluciones conocidas en lugar de buscar otras diferentes. Quizá suene un poco pedante el término, pido perdón.

BASO HIL: quiere decir “bosque muerto” en euskera. Es una alusión al origen, no se cierto o no, de mi apellido materno “Basail”. Es también una alusión a la naturaleza del medio fotográfico, que dice que solo es capaz de fotografiar futuros cadáveres, naturaleza muerta en definitiva.

C.C: Dices que para la fotografía sólo es posible el género de la naturaleza muerta y que una fotografía es como un cadáver. ¿Qué haces si alguien te quiere sacar una foto? ¿Te resistes?

P.I: Bueno, creo que es bueno conservar fotografías a modo de recuerdo. El que yo vaya a ser un cadáver en unos años es independiente de que me saquen fotografías o no…

 C.C: Con Baso Hil usaste imágenes de los archivos del lugar donde trabajas, dejaste de hacer tus propias fotografías ¿Por qué?

P.I: El uso de las imágenes que nos rodean como materia prima para trabajar, creo que es ya inevitable. No importa demasiado quién haya sacado la foto, importa el discurso y las posibles lecturas, creo yo.

También fue una época en la que estaba leyendo a Fontcuberta (un buen resumen es su manifiesto postfotografico), que abogaba por una ecología de la imagen. Viéndolo con perspectiva, creo que es irrelevante si alguien añade más fotos al mundo o no. Hay tantas que el efecto es despreciable. Lo importante creo yo que es ir a la contra, al menos en el discurso, de esa vorágine incesante de consumo.

 C.C: En tu obra hay múltiples referencias a lo religioso ¿Es una crítica?

P.I: Creo que lo religioso tiene su parte “moral” y controladora que es despreciable, pero mi opinión es que lo religioso, en el sentido de juntarse en comunidad para hacer rituales, para compartir miedos, para celebrar, creo que es algo que se debería mantener y recuperar, porque el capitalismo se lo está cargando.

C.C: Te interesan las huellas, el rastro que dejamos en nuestra vida cotidiana. Esta exposición también dejará huella cuando termine (algún clavo en la pared, los carteles y tarjetas, el número de visitantes registrado en una hoja de asistencia…) ¿Cómo quieres que la recordemos?

P.I: El primer día de la exposición hice una visita guiada con unas mujeres que dan clase de pintura en el Centro. Cuando les expliqué que esta fotografía la había hecho al limpiar la vitrocerámica, me dijo que no tenía ni idea de limpiar, que echaba demasiado “producto”.

Me gustaría que me recordaseis, así, como alguien majo, pero que no tenía ni puta idea de limpiar.

ENTREVISTA A DAVID LATORRE ///// ESCENARIOS DE CONDUCTA

octubre 20, 2014 at 1:48 pm

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Centro Cultural: ¿Qué sentiste cuando entraste al Centro Penitenciario de Huesca por primera vez? ¿En qué pensaste?
David Latorre: Me sentía intrigado y expectante. Por otra parte, afortunado de poder ser participe de una vivencia tan especial en un marco con unas características tan particulares. La primera vez que tuve acceso al centro penitenciario fue con un funcionario de prisiones que me guÍo por el recinto mostrándome la totalidad de las instalaciones. Esta primera visita guiada incluyó el relato de anécdotas y experiencias vividas por el funcionario -en primera persona – que me ayudaron especialmente a introducirme dentro del contexto carcelario. Una vez solo -en el interior de la cárcel- pude sentir las cargas emocionales del lugar, cuestionando las conductas que determinados espacios plantean, tanto por su morfología como por sus usos.

C.C. Te interesan los lugares marginales, abandonados, a punto de ser demolidos. Recuperas su memoria y registras su arquitectura para la historia, además de intervenir en sus paredes artísticamente. ¿Cuál es el proceso de “inmersión” en el lugar y cómo te inspiras para realizar la intervención?

D.L: Partiendo de una vocación documentalista, la puesta en escena de mis intervenciones, producto de largos y concentrados procesos, obedece a una metodología sistémica que se adecúa a cada proyecto y que supone un riguroso componente logístico: una fase previa de aproximación física e investigación histórica respecto al lugar, generando más preguntas e inquietudes que resultados y dando pie a una actitud crítica y a una intencionalidad que direcciona el posterior desarrollo; un período de negociación y gestión de permisos; la consecución de infraestructuras básicas –agua y luz-; la puesta en marcha de las intervenciones en sí, y el permanente enfrentamiento a coyunturas como las condiciones climáticas y lumínicas o la cuenta atrás propia de la demolición prevista. La inspiración rinde respuesta directa, instintiva, al ámbito arquitectónico y contextual que acoge historias, memorias, recuerdos y sensaciones, buscando convertir el espacio en un laboratorio y yo parte del experimento.

C.C: ¿Porqué decides blanquear los espacios? ¿Es una manera de limpiar todo lo que allí ha ocurrido (abusos, torturas, personas negadas de libertad….)? También limpias tus intervenciones, los graffitis… ¿Hay un porqué?

D.L: Los espacios –enclaves idóneos dónde se realizan las intervenciones- son blanqueados obedeciendo a una línea de tiempo argumental que remite al recuerdo nítido de su pasado histórico pero lo elimina, limpia, libera, reelaborando su propia biografía como una catarsis final, como un ritual de unción y embalsamiento previo a la desaparición física. Esta acción sobre los espacios suscita el cuestionamiento de las conductas que determinados espacios plantean.

C.C: ¿Qué otros escenarios tienes en mente?

D.L: El próximo enclave a intervenir se sitúa en la Favela da Mare, en Río de Janeiro. Posteriormente regreso a Zaragoza para intervenir en las clínicas y aulas de la antigua facultad de veterinaria.

C.C: Fotografía, escultura, video ¿en qué medio te sientes más cómodo?

D.L: Actualmente, en la creación artística los modos de expresar, de interpretar y entender el proceso creativo no se encuentran arraigados a una disciplina o técnica específica, aislada de las demás disciplinas como solía ocurrir anteriormente. Sino que, se interrelacionan propiciando el enriquecimiento en el proceso creativo, ampliando los horizontes creativos. Mi modo de pensar va dirigido a esta hibridación de disciplinas.

C.C: Has expuesto en importantísimos museos, galerías y ferias de arte contemporáneo (ARCO; Photoespaña, ArtMadrid…) ¿Cómo te interesó venir a este humilde Centro Cultural de Noáin?

D.L: Emergencias es un programa expositivo que se adapta perfectamente a la socialización del proyecto “Escenarios de Conducta” y además cuenta con un excelente jurado.

ENTREVISTA A MIQUEL GARCÍA ////PRÁCTICAS DE EMPODERAMIENTO CULTURAL

octubre 3, 2014 at 3:15 pm

La Asamblea 1-1

Centro Cultural: La exposición no puede estar más de actualidad por el reciente anuncio de la abdicación del Rey. En tu obra “El mensaje del Rey” has aplicado sobre una imagen de la toma de posesión del monarca, tantas capas como años han pasado desde entonces ¿Vas a dar, después de conocer esta noticia, la ultimísima capa de carboncillo a esta obra?  

Miquel García: La obra la realicé en el 2012 y en ese año la monaquía actual cumplia 36 años. No he continuado desde entonces sumando capas, aunque la oscuridad y opacidad continua siendo una de las  principales características de las Instituciones del Estado Español.

CC: ¿Ya tienes pensada alguna intervención con respecto a la abdicación?

MG:La mejor intervención sería un Referendum. Si he pensado algunas ideas, que no quiero apresurame a explicar.

CC: Viendo la intervención “La sonrisa de la Reina” me acuerdo de que cuando era pequeña tachaba las caras de los niños que me caían mal en el anuario del colegio. Solo quedaba intacta mi cara sonriente ¿podría decirse que realicé inconscientemente una Práctica de Empoderamiento Cultural (P.E.C.)?

MG: Ja,ja,ja,ja Por qué inconscientemente? Imagino qe tendrías mucha seguridad al hacerlo y con cada tachadura estabas escribiendo tu historia, remarcando los niños que no te caían bien de la escuela, empoderándote de tu anuario.
La idea de Empoderamiento cultural tiene varias lecturas, una, la de retomar la cultura y las instituciones públicas y desplazarla de los discursos hegemónicos, en ese sentido, la historia, tiene una papel fundamental, a menudo explicada e impuesta por y desde sistemas de poder, la historia no siempre es tal como nos la han contado, entender que es una construcción de una interpretación del pasado es algo que me parece primordial. La televisión ha hecho  y contínua haciendo mucho daño, se ha convertido en sinónimo de verdad, como la prensa, Intervenirla, es una forma de mostrar otra vición, otra interpretación y en ese caso, de posibilitar otra lectura cultural, o desde la cultura.

CC: En el vídeo de la “metaasamblea” ¿Con cual de los participantes te identificas? ¿Participas en asambleas, confías en este sistema para la toma de decisiones?

M.G: Me identifico con vari@s, diría que con un poco de cada un@.

Sí, participo y he participado en muchas. Creo que el sistema asambleario nos permite la posibilidad de compartir procesos de decisión y debatirlos, lo cual me parece imprescindible. En escalas pequeñas funciona y es muy operativo, en una escala mayor es más dificil llegar al consenso.

CC: La falsificación de moneda es un delito tipificado en el Código Penal, si la moneda customizada “Castillo y León” fuera introducida en el uso público ¿Reconocerías la autoría de la obra a pesar del riesgo?

M.G: La moneda tiene un valor simbólico superior al económico y eso ha hecho que no funcione la circulación de “Castillo y León”.

Sí, reconocería la autoría de la obra, la reivindicarla como acción y constataria mi disconformidad con el sistema penal, de la misma forma que la insumisión reivindicó el rechazo a realizar el servicio militar hasta la abolición del servicio militar.

ENTREVISTA A PACO RAMOS

abril 15, 2014 at 4:38 pm

Entrevista realizada a Paco Ramos, primer artista en exponer de la convocatoria “EMERGENCIAS 2014”.

CENTRO CULTURAL: “HOMO LUDENS” es el título de tu exposición. ¿Cómo es el Homo Ludens? ¿De qué se alimenta, cuál es su hábitat, a qué se dedica, cómo sobrevive? ¿Podría decirse que Paco Ramos es un ejemplo de “Homo Ludens”?

P.R.: El Homo Ludens es un eslabón perdido en nuestra cadena genética, pero que está vigente en nuestra memoria, como un antepasado al que podemos invocar y evocar con actos y actitudes lúdicas. La principal característica de esta especie radica en su conocimiento basado en el juego y la diversión como forma de enfrentarse a la realidad, para su propia supervivencia y mejor comprensión del mundo. Es el alma creativa, la cual se manifiesta mayormente en la etapa infantil de cada uno de nosotros.

C.C.: Si la vida fuera un juego ¿cuál sería el tuyo, un juego de azar o de estrategia, el monopoli, el escondite… ?

P.R.: No sería uno solo sino una mezcla de varios, aunque para mi el más representativo puede que sea el ajedrez, también se juega mucho al parchís y al monopoli en distintos ámbitos, así como a los juegos de azar. Caso aparte merece el deporte que es el juego más universal y al que muchos rinden culto, posiblemente por su poder competitivo.

C.C.: Tu arte es la chispa que se genera cuando juntas las mirillas de un microscopio y un telescopio. Pero son objetos cotidianos que cualquier persona puede tener en casa, ¿Eres paternalista con tus obras? ¿No tienes miedo de que te roben la idea?

P.R.: En general intento no ser Paternalista con nada, con eso entiendo no proteger lo que hago como un bien individual sino común, ya que en mi opinión las ideas no corresponden a nadie y a todos a la vez. Por este motivo no me importa si me roban una idea porque para empezar todos robamos ideas. Hay un libro que se titula “Roba como un artista” que explica muy bien como el proceso creativo es un cumulo de hurtos y apropiaciones que se ven transformadas por artistas que todos respetamos…El libro explica todo este tema bastante mejor que yo la verdad y es muy recomendable, puesto que hay muchos prejuicios en el arte sobre que uno tiene que ser original.

C.C.: En tu proceso creativo ¿Qué es primero, el objeto o la idea? Es decir, primero encuentras un objeto y lo miras hasta encontrarle la gracia o primero piensas la idea y luego buscas el objeto.

P.R.: Pues es como el acertijo del huevo o la gallina, depende del caso. A veces se me aparece la idea y la intento materializar, hacerla visible. Y otras surge del azar y de materiales que vas encontrando por ahí, creando yuxtaposiciones que puedan significar algo. En la exposición hay una mezcla de estos dos procesos, aunque ahora mismo no sabría decirte cual corresponde a cada uno.

C.C.: ¿Quién te gustaría que comprara una camiseta negra de Primark? Imagino que un policía no….

P.R.: No había pensado en ello, pero si te soy sincero no me importaría nada que fuese un policía uno de los afortunados a los que llegase la prenda, de hecho me llenaría de orgullo y satisfacción ;-). Pudiendo ser el punto en el que se cerrase un círculo perfecto, para demostrar como el azar también tiene un papel reservado dentro del juego.

ENTREVISTA CON ZALOA IPIÑA

octubre 16, 2013 at 5:26 pm

– ¿Qué se puede ver y NO ver, en esta exposición?

En esta exposición se pueden ver obras que trabajan sobre diferentes facetas que tiene el espectro de la luz. Obras creadas con técnicas muy variadas que, como la luz, intentan ocupar el espacio ocupado y vacío. Por eso mismo verán muchas obras que empiezan en la pared (espacio ocupado) y se expanden por el espacio no ocupado.

No verán obscuridad,  ni figuración, ni pintura…

– Tu trabajo artístico es muy reconocible, siempre has trabajado una línea de investigación en la cual has ido evolucionando sin perder la identidad original. ¿Recuerdas ese primer rayo de luz que te “iluminó”?

La verdad es que no recuerdo esa primera imagen, pero sí recuerdo cómo conseguí plasmar o cómo logré recoger y materializar los primeros rayos que luego han dado paso a muchas obras muy variadas.

ZALOA IPIÑA

– En el arte es difícil mantenerse siempre en la misma línea, ¿cómo renuncias a las modas, las influencias y caprichos?

Como bien has dicho antes, mi obra es muy identificativa, y la verdad es que no lo he hecho a propósito. Pienso que el arte es evolución e investigación. Muchos/as artistas centran su investigación en temáticas diferentes, pero en mi caso, aunque tengo unos puntos conceptuales sobre los que trabajo, mi obra ha ido variando y creando un recorrido evolucionando siempre sobre la obra anterior. Intento dar siempre un paso adelante sobre lo ya realizado.

Quizás llegue un momento que esta evolución termine y decida investigar y trabajar en otras cosas. Sólo espero que mi mente me alerte de ello.

– En esta exposición podemos ver fotografía, animación, escultura, serigrafía, collage…¿Dónde te sientes más cómoda? ¿Vas a patentar la serigrafía sobre Pet?

Soy una artista multidisciplinar. No sabría decirte si me siento más cómoda en una u otra técnica, cada obra me pide trabajar de una u otra forma. Lo que sí puedo afirmar es que la serigrafía me engancha, es mi única droga,  jeje.

Respecto a la serigrafía sobre Pet…. no me lo había planteado, pero quién sabe.

– ¿Qué nos puedes adelantar sobre el proyecto de la tienda en la c/ Dos de Mayo de Bilbao?

De momento va a ser un estudio taller. Vamos a trabajar varias personas, cada una en su ámbito. Algunas trabajarán moda y artesanía y en mi caso trabajaré sobre todo en arte y en una pequeña línea de diseño de ropa interior que hemos creado mi amiga Garbi y yo. Por fin podré o podremos enseñar nuestros trabajos al público y en mi caso, por fin podré tener todas mis obras juntas sin tenerlas desperdigadas por mi casa, por la casa de aita y ama, por el garaje de mi izeko….etc.

Creo que será una buena experiencia trabajar con creadoras que pertenecen al arte y al diseño.

– Como artista jovencísima que eres, ¿cómo ves el futuro? ¿Hay apoyos para la creación? ¿Hay público y mercado? ¿Ser artista es una profesión?

Prefiero no pensar en el futuro, intento vivir o sobrevivir día a día. Hay apoyos para la creación pero cada vez menos, ya que tenemos políticos que clasifican la cultura como ocio. Y por supuesto en lo máximo que hay que recortar es en los caprichos, o sea en el ocio…. Por esto mismo afirmo que hay público y mercado, pero está fuera del Estado español.

Por supuestísimo que ser artista es una profesión. Esta pregunta es una de las grandes batallas que tenemos en la calle con la gente que ve alejado de su vida el arte y que piensa que es un pasatiempo. Es una profesión en la que estamos en constante lucha y muchas veces la tenemos que compaginar con otros trabajos o proyectos para seguir adelante.

– ¿Qué le dirías a alguien que todavía no ha venido a ver ARGIAK BLAI-BLAI?

Le diría que vaya con la mente abierta y que deje que sus sentidos sean los que disfruten de la exposición.

 

Gracias Zaloa, desde el Centro Cultural de Noáin te deseamos mucho éxito en tu carrera, es un placer poder acoger tu exposición este mes de octubre.

Eskerrik asko a todos/as vosotros/as por la oportunidad de exponer mis piezas por primera vez en Nafarroa y por todas las facilidades que me habéis dado a la hora de montar la exposición.